Interpol - foto: Ingrid Natalie

Introspecção, guitarras melódicas e poderosas marcaram o show na Audio que privilegiou os discos "Turn On The Bright Lights" e "Antics" 

O Interpol é dos nomes mais importantes dos primórdios do indie rock. Datada do final dos anos 90, o trio nova iorquino atualmente composto por Paul Banks (voz e guitarra), Daniel Kessler e Sam Fogarino (bateria) traz em sua discografia álbuns memoráveis como “Turn on the Bright Lihts” (2002) e “Antics” (2004). Os dois registros de estúdio citados foram celebrados no show desta última sexta-feira (07). A galera indie com mais de trinta anos lotou a Audio nesta noite especial. Quem dançou músicas como “Obstacle 1” e “Slow Hands” nas pistas das boates de rock alternativo da sua cidade se sentiu prestigiado.

Interpol subiu ao palco pontualmente às 21h. Iniciando com o álbum “Turn on the Bright Lights”, Paul Banks e cia. A banda em si interage muito pouco com o público entregam um show que para alguns pode ser estritamente técnico, mas para quem quer apenas curtir a música, é o que basta. A iluminação toda em vermelha, se assemelhando à capa do álbum, dizia o que precisava ser dito. Músicas como “NYC”, “PDA” e “Roland” foram avassaladoras, com guitarras rascantes e gritos apaixonados. “The New” encerrou a primeira parte do setlist.

Após as luzes se acenderem e uma curta pausa, dando realmente a entender que era um novo show, a banda retorna para tocar na íntegra as músicas do segundo álbum, “Antics”. Com o público já empolgado, a trinca “Next Evil”, “Exit” e “Narc” começou poderosa. “A Time to be Small” foi a última a ser executada dessa parte da apresentação.

Para deixar um gostinho do quero mais, a banda deixou “Untitled”, do primeiro álbum, como o bis. Curta, experimental e ruidosa. Com esses acordes mais melódicos, a performance de uma das bandas mais relevantes no rock dos anos 2000 terminou. Um show nostálgico e que certamente agradou a todos os fãs.

Interpol durante show na Audio - foto: Ingrid Natalie

SETLIST COMPLETO:

Turn On the Bright Lights

• Specialist
• Say Hello to the Angels
• Obstacle 1
• NYC
• Roland
• Hands Away
• Stella Was a Diver and She Was Always Down
• Leif Erikson
• PDA

• Next Exit
• Evil
• Narc
• Take You on a Cruise
• Slow Hands
• Not Even Jail
• Public Pervert
• C'mere
• Length of Love
• A Time to Be So Small

Encore:

• Untitled

A banda de indie rock, certificada com Diamante pela RIAA, Foster The People, faz sua tão esperada estreia pela Atlantic Records - uma distribuição nacional Warner Music Brasil - com o lançamento do single inédito "Lost In Space", já disponível em todas as plataformas digitais. A nova faixa do grupo, que já recebeu três indicações ao GRAMMY, é produzida pelo vocalista, compositor e multi-instrumentista, Mark Foster, e co-produzida pelo companheiro de banda, Isom Innis. O videoclipe oficial que acompanha a canção também já está disponível. 

"Lost In Space” anuncia a chegada do aguardado quarto álbum de estúdio do Foster The People, “Paradise State of Mind”, que tem previsão de lançamento para o dia 16 de agosto.

Clique aqui e confira "Lost In Space"

"O álbum começou como um estudo de caso do final dos anos setenta, quando o disco, funk, gospel, jazz e todos esses sons se cruzavam. Foi um momento tão bonito no tempo, quando esses diferentes estilos de música referenciavam artistas como Nile Rogers e Chic, Tom Tom Club e Giorgio Moroder", afirma Mark Foster.

"Eu queria mergulhar nisso e descobrir o que eles estavam fazendo. Eu também estava pensando sobre como essa era tem paralelos musicais e sociais com o tempo em que estamos agora, com a grande recessão nos anos setenta, a turbulência política pós-Vietnã e outras grandes tensões. Mas então você vê essas expressões de alegria acontecendo através da música, e comecei a pensar na alegria como um ato de desafio”, completa. 

A arte do álbum, encomendada por Foster, foi originalmente uma pintura a óleo em painel, criada pelo renomado artista Matt Hansel, do Brooklyn. Ela captura a essência de diferentes espaços na mente. Cada espaço representa seu estado atual e leva a outro ambiente que pode ter uma sensação totalmente diferente.

O Foster The People celebrará o lançamento de sua nova música com uma apresentação ao vivo no Austin City Limits Music Festival (de 4 a 6 e de 11 a 13 de outubro). 

SOBRE FOSTER THE PEOPLE

Atualmente, com quase 8 bilhões de streams em todo o mundo e quase 2,5 bilhões de visualizações de vídeos no YouTube ao longo da vida, Foster The People provou ser uma sensação mundial com sua marca caleidoscópica de música pop movida à dança. 

Formada em Los Angeles em 2009, com o multi-instrumentista e cantor-compositor Mark Foster à frente, a banda explodiu com seu single de estreia de 2010, "Pumped Up Kicks", que liderou a parada "Alternative Songs" da Billboard, antes de passar oito semanas consecutivas em 3º lugar na "Hot 100" geral e subir para os primeiros lugares das paradas em todo o mundo. Atualmente certificado com Diamante pela RIAA, com vendas de 14x Platina nos EUA, a faixa rendeu ao Foster The People sua primeira indicação ao GRAMMY® (para "Melhor Performance Pop de Duo/Grupo"), bem como o Billboard Music Award de 2012 para "Top Rock Song". Agora, com mais de 1 bilhão de streams em todo o mundo apenas no Spotify, "Pumped Up Kicks" foi acompanhado por um videoclipe oficial igualmente fenomenal que alcançou um lugar no prestigioso Billion Views Club do YouTube.

Em 2011, Foster The People revelou seu álbum de estreia certificado 3x Platina, “Torches”, que alcançou o 1º lugar nas paradas "Top Rock Albums" e "Top Alternative Albums" da Billboard, chegando ao 8º lugar na Billboard 200 e recebendo mais tarde uma indicação ao GRAMMY® como "Melhor Álbum Alternativo". Além disso, "Houdini" do álbum rendeu à banda uma terceira indicação ao GRAMMY® para "Melhor Videoclipe de Curta Duração". “Supermodel” seguiu em 2014, impulsionado em parte pelo certificado de Ouro "Coming of Age", alcançando o 1º lugar nas paradas "Top Rock Albums" e "Top Alternative Albums" da Billboard, enquanto estreava em 3º lugar na Billboard 200.

Foster The People fez turnês pelo mundo enquanto trabalhava no material para seu terceiro álbum, “Sacred Hearts Club”, com sabor de soul eletrônico, lançado em 2017. O LP certificado de Ouro entregou mais um sucesso estrondoso com o 4x Platina "Sit Next To Me", que acumulou mais de 200 milhões de streams em todo o mundo enquanto passava 20 semanas na "Hot 100" da Billboard. Uma série de singles independentes foi seguida em 2020 pelo EP independente, “In the Darkest of Nights Let the Birds Sing”, destacando singles como "Lamb’s Wool". 2021 viu Foster The People celebrar o décimo aniversário de “Torches” com a edição deluxe estendida, “Torches X”, junto com uma série de shows especiais ao redor do mundo. Em 2024, Foster The People retorna com novas músicas e muito mais está por vir.

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Rock, pop, blues e MPB, tudo junto e misturado em uma sonoridade encantadora. Essa é a banda Asa Branca e Banda dos Cabezas de Vaca que surgiu em 2019 e tem como núcleo os irmãos Igor Morales e Victor Dionísio.

Logo após seu surgimento, a banda lançou em abril de 2020 o EP intitulado “UM”, com quatro músicas inéditas. Pouco tempo depois, em agosto de 2021, veio o primeiro álbum completo chamado "Nadaísmo", em que mostra a gama de referências em suas composições originais que poderiam se encaixar em um 'Modern Psychedelia'. O disco é uma celebração da liberdade estética e emocional dos integrantes.

Em seguida, vieram os singles "Sopa de Feijão Divina", "Corescorescores" e "Sereia" que transitam por diversos ritmos e melodias, as faixas trazem reflexões existencialistas para o cotidiano do ouvinte. Mais recentemente, divulgaram a música "Eu me apaixonei por um garoto" que é um tributo ao a Tonton, filho do guitarrista e vocalista Igor Morales. É uma canção apaixonante esculpida por guitarras com vibrato e reverb e a sutileza de teclas de um piano elétrico, tudo com muita finesse e na dose perfeita entre o indie rock e a música brasileira

A música, revela o quarteto, nasceu em uma jam dentro do estúdio e logo foi ganhando corpo, cores e vibrações, um prato cheio para fãs de indie pop psicodélico e que, de fato, deixa claro as influências da banda: Ty Segall, King Gizzard and the Lizard Wizard, Jards Macalé e Itamar Assunção, entre outros.

Leia a nossa entrevista com a simpática banda Asa Branca e a Banda dos Cabezas de Vaca que nos contou sobre o processo de composição da nova música e o momento atual da banda: 

FRS: Para aqueles que estão conhecendo o trabalho da banda pela primeira vez, como o projeto se iniciou?

O projeto teve início em janeiro/2019. Eu e meu irmão nos juntamos e trocamos "bibliotecas" de riffs e ideias gravadas. Daí começamos a se reunir semanalmente pra transformar essas ideias em músicas. Lá pra julho a gente já tinha uma base do que seria o "Nadaísmo" e começamos a ensaiar com dois amigos.

FRS: Como surgiu o nome Asa Branca e a Banda dos Cabezas de Vaca?

O "Asa Branca" surgiu por enxergar na música de Luiz Gonzaga uma síntese da música brasileira, que por si só se tornou uma entidade. Ao criar a banda, queríamos que o nosso som fosse o grande protagonista e não o meu nome ou de alguém outro. Já os "Cabezas de Vaca" vem de Álvar Núñez Cabeza de Vaca, um colonizador espanhol que virou naufrago e caminhou da florida até o méxico, sendo colonizado por aqueles que ele planejava colonizar. 

FRS: Qual o maior propósito da banda?

Acredito que o maior propósito é tocar o ouvinte. Comos as letras são, em muitos casos, poesias com metáforas, nós convidamos o ouvinte a se relacionar com as letras e experimentar sentimentos de suas próprias vivências com o que chamar a atenção dele. 

FRS: Desde o EP "Um" e o álbum "Nadaísmo", como a banda amadureceu? 

O amadurecimento veio com vivências de vida numa época de pandemia, trocas com diferentes membros que passaram pela banda, ensaios, maneiras de escrever e observar/entender o mundo. Eu por exemplo comecei a fazer um curso de teatro o que me ajudou bastante a "colocar coisas pra fora". Meu irmão teve um filho! Isso tudo muda a estrutura do que a gente acha que é ou sabe. 

FRS: Falando sobre o recente single 'Eu me apaixonei por um garoto' que é uma homenagem a Tonton, filho do guitarrista e vocalista Igor Morales. Como surgiu a composição em termos de melodia?

Nessa composição o Igor trouxe uma ideia de riff, levada e letra para o ensaio. Meio que já estava na cabeça dele. Dai a gente ensaiou horrores até chegar numa forma em que estávamos todos satisfeitos. Então, no começo foi uma criação pessoal do Igor e depois se tornou uma criação coletiva que é uma coisa que a gente preza muito.

Ouça a música:

FRS: Quais serão os próximos passos da banda?

Os próximos passos eu diria que são produzir mais uns dois singles e em paralelo um disco cheio. Além de levar nossas músicas para mais gente. 

O Two Door Cinema Club embarca em uma nova era com seu novo single ‘Sure Enough’. O grupo passou a última década em movimento para a perfeição, e o novo som ressalta a energia da banda.

Começando com um sintetizador ARP e batidas esparsas, ‘Sure Enough’ carrega um dos refrãos mais carregados da banda. Com linhas de guitarra sinuosas, marca registrada de Sam Halliday, o baixo sonoro de Kevin Baird e a entrega vocal completamente contagiante de Alex Trimble, ‘Sure Enough’ é uma adição valiosa ao cancioneiro da banda. Assista ao videoclipe oficial:

No single, a banda diz “Conforto, segurança e proteção são fáceis de encontrar. Tudo que você deve fazer é aceitar a mentira.”

O lançamento de ‘Sure Enough’ acompanha o anúncio de uma turnê pelos Estados Unidos que começa em fevereiro de 2024. Começando em Atlanta no dia 21 de fevereiro, com o apoio do Joywave em fevereiro e março, antes do retorno da banda em maio com o apoio do Day Wave para shows terminando em Austin, Texas. 

A banda também será a atração principal de seus recentemente anunciados shows adicionais no Reino Unido, visitando Hull, Doncaster e Liverpool em outubro. Os ingressos para esses shows já estão à venda. Para mais informações, visite www.twodoorcinemaclub.com.

Os pioneiros do indie-pop britânico The Kooks lançaram seu sexto álbum de estúdio, 10 TRACKS TO ECHO IN THE DARK, via Lonely Cat / AWAL Recordings, uma evolução com toques eletrônicos de seu som icônico. A banda adotou uma nova abordagem para lançar o álbum; sendo lançado em três partes, as duas primeiras partes consistindo em lançamentos de EP de 3 faixas e a parte fonal - lançada na última sexta-feira (22) - adicionando mais quatro faixas para compor o LP completo.

Juntamente com o álbum, a banda revelou o videoclipe do último single “Cold Heart”. Dirigido por Polocho e filmado em Londres, o visual encontra a banda dentro de uma estação espacial futurista, enquanto seres alienígenas começam “experimentos” com eles. Uma homenagem a 2001: A Space Odyssey, o vídeo incorpora um ‘coração frio’ de IA, que treme de frustração quando os alienígenas se encontram aquecendo os ‘humanos’, eventualmente se perdendo na dança enquanto a banda toca sua música.

Depois de uma turnê mundial, o lançamento de seu álbum Let’s Go Sunshine (um dos dez álbuns mais ouvidos no Reino Unido na ocasião), viu a banda no topo da lista em festivais pela Europa. O boom do streaming abriu o The Kooks para um novo público de jovens fãs com sua marca de indie pop, que estavam ansiosos para vê-los tocar ao vivo.

Saindo de uma agenda de turnês punitiva, o vocalista, Luke Pritchard, prometeu respirar um pouco. Mas em vez disso, reencontrou-se ao estúdio.

“Comecei a ir a Berlim por três ou quatro dias de cada vez. Fui muito afetado pelo Brexit e queria fazer uma declaração criando um disco europeu”, explica ele. “Somos uma banda europeia, praticamente moramos lá e temos tanto amor pela Europa, então queríamos manter essa conexão.”

Berlim tem sido uma espécie de Meca criativa para artistas de todo o mundo e Pritchard se viu se movendo nesses círculos, conhecendo os colaboradores com quem trabalharia em seu sexto álbum, 10 TRACKS TO ECHO IN THE DARK. O período foi de trabalho, inspiração e criatividade em oposição à festa. “Eu não estava usando drogas”, atesta Pritchard. “Eram mais bares e uma garrafa de uísque do que Berghain.”

O ambiente rapidamente começou a fazer sua mágica. “Muitos compositores encontraram refúgio em Berlim”, diz ele. “É um lugar livre, não é tão consumido pela comercialidade. Eu estava procurando algo um pouco mais cru, um pouco mais minimalista. Às vezes você apenas pega essas nuances em algum lugar. Não são necessariamente as pessoas, é o lugar.”

Armado com um novo mantra – não pensar demais e apenas fazer um disco que ele gostaria de ouvir em casa, as ideias vieram livre e facilmente. Juntando-se a Tobias Kuhn para escrever e produzir a maior parte do álbum, sua primeira sessão de composição os viu escrever o single principal, Connection, em apenas algumas horas. As coisas estavam indo bem com a dupla lançando cinco faixas, mas em março de 2020, o COVID interrompeu o sonho europeu de Pritchard, forçando-o a voltar para casa no Reino Unido para terminar as sessões de composição pelo Zoom até que Tobias pudesse voar para Londres e gravar com ele e o resto da banda, Hugh Harris (guitarra/sintetizador/baixo) e Alexis Nunez (bateria).

Casando e se tornando pai pela primeira vez, estamos ouvindo um novo Pritchard – um cujos demônios estão por trás, otimista em relação ao futuro.

“Espero que essa sensação de paz interior apareça”, diz Pritchard sobre a perspectiva otimista do álbum. “Quero me divertir com minha vida neste momento. Mas também – é meio que um reflexo do que eu estava sentindo em tempo real em um mundo pré e pós COVID. Eu estava lendo muita ficção científica – como Philip K. Dick, Azimov e coisas surreais como Boris Vian – o que obviamente me distrai do que está acontecendo no mundo, mas me ajudou a ser criativo com as músicas.”

Luke conclui: “Na pandemia, tive um bom tempo para examinar nossos álbuns e me sentir orgulhoso e sortudo. Este álbum é um verdadeiro obrigado aos nossos fãs por nos acompanharem por tanto tempo, esperamos que vocês gostem”

Ouça o álbum na íntegra:

Índigos - Foto: Andreina Mosteiro

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

O termo 'índigo' é explicado como um ser que vem ao planeta com o objetivo de romper paradigmas  e velhas estruturas. Definitivamente, Marcelo Escobar (voz e baixo), Beto Gebhard (voz, violão e guitarra) e Alberto Whyte (bateria) entenderam o chamado e decidiram através da música quebrar conceitos antigos e nos apresentar a novos horizontes musicais. 

Dando continuidade aos discos “Miragem” (2014) e “Espelho” (2016), a Índigos lançou recentemente “Sinapse”. O novos registro de estúdio traz 8 faixas que equilibram um clima introspectivo com o peso do rock. Para completar a base, Andret Oliveira, da Banda Eddie (PE), soma nos teclados e synths. Totalizando aproximadamente 40 minutos de puro som autoral que mescla o rock alternativo atual, progressivo e sonoridades dos anos 60 a 80, álbum reflete sobre os diferentes sentimentos e ideias que passam em nossas mentes dentro de um único dia. Mais que um álbum, "Sinapse" é uma conversa com o ouvinte.

Uma das curiosidades desse álbum é que possui pouca edição, realmente intencionado para não mascarar erros e defeitos. O power-trio quis verdadeiramente mostrar como se comportam no dia-a-dia, no estúdio, no show. A banda ressalta sobre o álbum, "é orgânico, totalmente verdadeiro e é um disco que quando escutamos nos leva a viajar e nos tira da rotina pesada. Queremos que nossa música seja um meio para trocarmos, como uma conversa, um abraço. Você não está sozinho”. As principais inspirações foram Alice in Chains, Porcupine Tree, Placebo, Scalene e The Butterfly Effect. 

Outra novidade que "Sinapse" apresenta são as participações de Malu Magri, Andret Oliveira e da banda Bratislava. Malu Magri doa um pouco de seu dom ao participar de “Peregrino”, e a Bratislava divide “Tempestade”, composta em parceria e gravada ao vivo no estúdio Jacarandá.

Veja nossa entrevista com a Índigos que revelou todos os detalhes da composição do novo trabalho de inéditas e planos futuros: 

A Índigos é uma sequência de trabalho de outras bandas e projetos passados, que culminaram no que somos hoje. 2 amigos com vontade de tocar juntos é o começo de provavelmente toda banda de rock!

FRS: Quais são as principais influências para a banda? 

Tudo ao nosso redor nos influencia. Até coisas que a maioria das pessoas não acreditaria. Música sempre tem o poder de abrir novas rotas e cada música que você escuta te abre um novo leque de ideias e possibilidades. Não acredito que tenhamos apenas 1 ou 2 influências. Nosso som tem uma essência de rock, mas foram vários caminhos que nos trouxeram até aqui.

FRS: Qual a origem do nome Índigos? 

Índigos é um nome forte, um nome que remete a uma conexão, uma aura,  a uma energia. É um pouco do que somos e do que queremos na relação com quem escuta nosso som, vai ao nosso show. Acho que ao explicar um nome a gente tira algo, que às vezes as pessoas sentem ou veem.

FRS: Como funciona o processo de composição entre vocês? É colaborativo?

100% colaborativo, às vezes inclusive fora da banda. Obviamente sempre existe uma semente, que vem de um de nós, mas o processo de criação para a ideia virar algo maior é sempre em conjunto. Com "Tempestade", música que convidamos o Bratislava para participar, foi assim também. O Vitor é um poeta que a gente admira e ele trouxe isso pro processo. A música ganhou um novo patamar.

FRS: Vamos falar sobre o mais novo lançamento da banda, "Sinapse". O que foi mais desafiador na composição do álbum em comparação com os trabalhos anteriores?

Grande parte disso vem do amadurecimento natural da banda. Outro fator foi a entrada do Beto Gebhard como membro da banda (ele já tocava desde o primeiro show da Índigos conosco, mas como convidado) e saída do Rafa Dantas, que cuidava das composições antes. Tínhamos um compositor erudito na banda, com arranjos super elaborados e complexos. Com o Beto, que fez a produção musical desse disco, a gente pôde se expressar mais, e isso refletiu nas músicas, mostrando nosso lado mais real, mais verdadeiro. Então o processo foi muito mais leve pra banda.

FRS: Para esse álbum, vocês contaram com a participação de nomes importantes do indie rock brasileiro. O que vocês podem falar sobre essa experiência?

Abrir suas composições para uma pessoa de fora da sua banda é sempre um momento especial. Aquele frio na barriga gostoso. A Bratislava é uma banda que admiramos e somos amigos. Foi um processo muito natural. Convidamos eles para uma jam no nosso estúdio, ficamos umas 3h trocando ideias e sons e a música veio. O segundo encontro já foi a gravação valendo que fizemos ao vivo, todo mundo junto na sala e rec!

Com a Malu Magri o processo foi um pouco diferente. Ela tem uma voz incrível e quando o Beto compôs a música ele a mostrou pra ela e a conexão tava feita! Novamente foi tudo muito rápido e verdadeiro.

A outra participação é quase um membro da banda. O André Oliveira é um músico extraordinário, com uma vasta experiência de shows e discos. O Beto trabalha a muitos anos com a banda Eddie, e a amizade e troca entre eles resultou nessa participação dele.

Assista ao clipe oficial da faixa "Palácio"

FRS: Qual música de "Sinapse" mais representa o momento atual da banda?

"Sinapse" tem muitas cores, muitos sentimentos e principalmente, tem muita conexão com diversos momentos do nosso dia a dia. Todas músicas cabem como trilha sonora do que estamos vivendo. A Índigos é, antes de ser uma banda, 3 amigos. Cada 1 com suas angustias, suas expectativas. E somos mutáveis. Hoje já somos diferentes do dia que gravamos o disco. Então cada momento somos um pouco do "Sinapse". Uma das músicas preferidas das pessoas até o momento tem sido "Peregrino". Uma música que fala de depressão, tem tido bastante atenção. Talvez pelo momento atual que nos fragiliza.

FRS: Para finalizar, quais são os planos futuros para a Índigos? 

Difícil pensar em futuro com essa pandemia. Nossos planos com o disco eram de por ele na rua pra alcançar as pessoas, fazer show para poder trocar esses sentimentos com quem ali estiver. Acho que 2020 já nos trouxe muitas coisas positivas também. Lançamos o disco, conseguimos fazer 2 clipes maravilhosos feitos 100% pela própria banda. E os feedbacks recebidos nos dão energia pra seguir em frente e enfrentar essa neblina toda.

Ouça "Sinapse" na íntegra: 

Julie Neff - Foto: divulgação

Cantora indie pop canadense lança single Over It com traços de brasilidade

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Não há fronteiras no mundo da música e esse conceito foi totalmente abraçado por Julie Neff. A cantora canadense vêm colecionando experiências internacionais em festivais. Em um deles, a Indie Week de 2018 realizada em Toronto, sua cidade natal, Julie teve a chance de assistir aos shows das bandas Scalene e Trampa. Pouco tempo depois, lá estava ela se apresentando no festival Festival CoMa, em Brasília, estreitando cada vez mais seus laços com a música brasileira. Em 2019, a musicista integrou a programação do SIM SP, abrindo show para Far From Alaska,de Natal (RN). Logo depois, saiu em turnê sempre convidando músicos locais para formarem suas bandas de apoio. Participou de duas noites no Sofar Sounds, no ​Rio de Janeiro​ e em ​São Paulo​, e montou uma banda só com mulheres instrumentistas para tocar no Março Feminista deste ano. 

É importante mencionar que Julie estava morando em São Paulo no início de 2020. No entanto, ela precisou voltar para seu país em razão da pandemia do corona vírus. Nem por isso a paixão dela pela música brasileira diminuiu. Ainda assim, se manteve um forte vínculo musical dessa experiência em sua criação. Em 20 de agosto, ela lançou o single "​Over It​", faixa-título de seu primeiro EP, uma música que apresenta grande inspiração no Brasil. De acordo com Julie, “Over It" retrata o momento da vida em que você se vê preso em um emprego ou em uma situação que já o desgastou, o queimou, o machucou, e você sabe que precisa se libertar disso tudo. Tudo isso ligado a uma voz potente e doce juntamente com melodias fáceis de se identificar e  que “gruda” na cabeça por vários dias.

O fato de ter vindo diversas vezes ao Brasil e ter morado uma temporada na Espanha, sempre optando por ensaiar e tocar suas músicas com artistas locais, faz com que suas composições ganham elasticidade. Julie Neff faz rock/pop indie com pinceladas das referências de novos gêneros que têm colecionado em sua pesquisa musical. 

A respeito do seu EP de estreia, Julie comenta que fez de um período caótico, um combustível para criá-lo e produzi-lo. A maturidade está no som, mas também nas letras que evidenciam sua coragem de continuar aberta para o mundo, mas trilhando um caminho mais honesto consigo mesma. ​“Quero que este disco faça aos outros o que fez por mim. Que ajude a colocar uma estaca no chão a fim de pensarmos por que as coisas não estão indo bem. Talvez até possa ser a motivação para se dar um passo, no sentido de mudar. Eu quero que as músicas sejam um escoamento para a raiva, a mágoa e a frustração que nós sentimos durante o processo de entender que ‘já chega é já chega!’ - e de aprender a criar limites saudáveis para nossas vidas”, conta a cantora.

Leia a nossa entrevista com a simpática artista indie-pop canadense que nos contou tudo sobre o recente lançamento e da produção do novo EP:

FRS: Para quem está conhecendo sua música pela primeira vez, como e quando você se interessou por música? Qual foi a sua formação quando criança?

Julie Neff: Sempre adorei cantar. Quando eu era criança, muitas vezes vivia em mundos imaginários, cantando e dançando. Eu cresci em um ambiente muito cristão, então minha música freqüentemente estava na igreja ou em corais na escola. No colégio, pratiquei esportes mais do que artes, mas ainda cantava na igreja. Aprendi a cantar harmonias e a me misturar com os outros vocalistas. Quando estava na universidade, decidi focar mais na música. Eu cantava em microfone aberto com meus amigos e acabamos formando uma banda de funk / rock / reggae de 8 integrantes que se saiu muito bem em nossa cidade. Depois disso, quis encontrar minha própria voz na música. Depois de me mudar para a Espanha por um ano após a universidade, eu estava em uma situação difícil, tentando descobrir o que eu queria fazer da minha vida e, eventualmente, comecei a escrever canções. Foi uma maneira de processar emoções e me ajudar a seguir em frente na minha vida. Isso foi há cerca de 7 anos e desde então eu lentamente construí esse processo e finalmente lancei meu primeiro EP há dois anos.

FRS: Como você se descreveria como compositora? Existe algum ritual específico que você faz durante o processo de escrita?

Julie Neff: Acho que sou uma compositora muito instintiva. Nunca tive muito treinamento, então muitas vezes apenas escrevo as melodias que saem de mim e não fico muito presa aos detalhes técnicos. Normalmente estou fazendo outra coisa, como andar na rua ou dar um passeio de bicicleta e surge uma ideia. Tenho tantas anotações de voz gravadas no meu telefone, de mim andando pela rua tentando fingir que estou falando com alguém no telefone quando estou gravando uma melodia. A partir daí, normalmente tento encontrar acordes que se encaixem e desenvolver ainda mais as letras, mas isso geralmente leva tempo. Existem algumas músicas que comecei na guitarra também. Acho que meu ritual principal é procrastinar até chegar ao ponto em que tudo flui para fora de mim. Às vezes preciso que a pressão cresça um pouco. Não sei se essa é uma "boa" maneira de escrever, mas parece funcionar para mim.

Julie Neff - Foto: Valentina Caballero

FRS: Desde seu show no CoMA Festival em 2018, você se inspirou na música brasileira. Quais foram os artistas que mais chamaram sua atenção?

Julie Neff: Eu fui apresentada principalmente a artistas independentes no Brasil e é um prazer ver a quantidade de talento e paixão nesta parte da indústria musical. Tive a chance de ver Elza Soares no CoMA também e foi fenomenal. Em termos dos artistas que escuto do Brasil, aqui estão alguns (associei-os à minha música favorita deles): Xenia França, Ellefante, Aguaceiro, Jota-pê, Bruna negra, Far From Alaska, TUYO, Maglore, Terno Rei e Scalene. 

FRS: Você morou alguns meses em São Paulo, como foi isso para você?

Julie Neff: Acabei ficando na cidade apenas um mês e meio por causa do vírus corona. Mas eu realmente amei meu tempo lá e me senti bastante confortável. Fiquei grata por poder vivenciar mais alguns shows locais e conhecer as pessoas de uma forma mais profunda. Eu realmente valorizo ​​minhas amizades lá e foi muito difícil para mim sair. Eu também adorei a luz e a quantidade de vegetação (plantas, árvores, etc) que foram construídas dentro e ao redor das estruturas de concreto da cidade.

FRS: Quais são as principais diferenças entre o público canadense e o brasileiro?

Julie Neff: Acho que existem algumas diferenças principais entre o público canadense e o brasileiro. O primeiro é que o Canadá tem cerca de 1/10 da população do Brasil, mas com a mesma extensão de terra, então estamos mais espalhados. É difícil alcançar muitos públicos sem viajar muito. A segunda coisa é que, culturalmente, os canadenses são um pouco mais reservados e podem não ser tão expressivos sobre o que pensam sobre sua música. Eles podem ter gostado do show, mas não necessariamente virão e lhe contarão. No Brasil, minha experiência foi bem oposta. Os brasileiros não parecem conter sua paixão e carinho pela música e isso é realmente maravilhoso. Eles dirão o que gostaram na sua música e por quê. É muito encorajador ouvir que sua música está fazendo a diferença para as pessoas - especialmente nos estágios iniciais - isso me ajuda a continuar. :)

FRS: Você lançou recentemente seu novo single "Over It". Qual foi sua inspiração para as letras?

Julie Neff: Escrevi Over It há vários anos, quando estava em um trabalho realmente tóxico. A música é sobre aquele momento em que percebi que não estava progredindo naquela situação e precisava ir embora - só não sabia como ainda. Comecei a articular por que a maneira como eu estava sendo tratada naquele ambiente que não era saudável - não estava bem. Esta foi uma grande parte do processo para que eu finalmente pudesse sair.

Julie Neff: O novo EP tem um toque um pouco mais elaborado do que meu trabalho anterior. Eu acho que na minha vida, assim como na minha música, estou vocalizando minha frustração - até mesmo raiva às vezes.